金馬奇幻影展開幕片的時候，我很用力的去支持了。
或許是因為當初上李亞梅老師的課的時候，先看了他們的預告片，
也看到他們是怎麼一步步想做好一部片，我覺得我有必要去支持台灣人的電影。
更何況，何蔚廷的作品我一直都很想看看。
雖然沒看過之前的夏午和呼吸，我對他的作品還是抱有很大的興趣。
台北星期天是以兩個在台灣的菲律賓勞工為主角，
以奇幻幽默喜劇的方式，去描述這兩個異想天開、傻里傻氣卻又不放棄幻想權力的人。
QA的時候，比較多是再問導演的拍片風格變了，影像變得沒那麼炫技，反而是很平實的說完整個故事。
我當時可能也沒想太多，或許也只是閃過一下子的念頭，就是關於種族意識的問題。
直到最近英國的學長潑了一個新聞，說是有許多大戲院由於害怕觸碰到敏感的種族議題，因此不願意上這部片，
我才想到，其實這部片探討隱藏了一個很嚴肅的問題-外勞在台灣。
雖然說整部片是搞笑，但是也實在的透露出了外勞在台灣的生活情境和多種限制，
還有那些雇用外籍勞工的台灣人的種種問題。
第一點，外籍勞工的生活限制。
影片中兩位男主角必須要10點以前回到宿舍，遲到三次就會被開除。
男主角第二次還是用檳榔賄賂了警衛，才得以逃過一節。
而女性外籍看護更是提到說她已經一個月都沒有假日了，
只因為家裡的年輕夫妻天天吵架，她必須要負責照顧老奶奶。
另外一位性感的外傭，間接的成為男主人偷情的對象。
這些負面的訊息，雖然用了歡樂的方式帶過，但是或許反應了真實的情況。
破碎的家庭無法照顧家裡的長者，就把責任全丟給一個雇用來的外人。
貴婦打扮漂漂亮亮接小孩放學，外傭在家裡打理一切。
工廠的嚴格限制，讓外籍勞工的生存空間緊縮在宿舍和週日的教會中。
第二男主角和他的女友，彼此在菲律賓都各有家庭，但是人在異鄉，卻成了互相支持的對象。
導演所拍出來的外勞生活，讓我很驚訝。
雖然那些都是台灣的街道，但卻讓我誤以為是在東南亞。
看見了外勞的休閒場所，生活方式，那些是完全隱沒在一般台灣人對台北或是對台灣這個社會的認知之下的。
那彷彿是另外一個世界，我們從來都不知道的世界。
同樣在一個空間中，卻過著兩種生活。
兩位男主角最後為了一張沙發，還是第三次錯過門禁，因此"幸運"的被遣返回國。
或許是幸運吧，因為他們反而能夠再度開始追尋他們的夢想。
能夠把這被絕大多數台灣人甚至是台灣社會所忽略的一個現象，一群人擺放在陽光底下，
我認為是真的真的非常難得的。
導演的犀利眼光，用喜劇方式遮掩，觀眾的笑聲之中，或許默默的會對這一群外籍勞工有一種不同的觀感。
我想我們會更了解這些離鄉背井來打拼的人，或許他們說的語言我們不懂，
或許他們說的中文我們不懂，但是他們都是有夢想的人。
而這些離鄉背井的人，無非不是想讓他們家鄉的家人有更好的生活。
我想這也更讓我們這些台灣雇主們，去看清一些事實。
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片名: 龍山寺之戀
影片年份：1962
出 品 國：台灣
出 品：福華
語 言：國/台語
色 彩：彩色
導演： 白克
編劇： 白克徐天榮
演員： 莊雪芳 唐菁 林龍松 蘇麗華 井淼
從這兩週所放映的三部影片中不難發現，民國早期的台語片都有一個共通特性：歌曲。此歌曲還必須要是一般大眾耳熟能詳的流行歌曲或是民謠，以便讓觀眾產生認同感及參與感，而更重要的是直接由歌曲傳達影片忠旨。從「燒肉粽」到「三聲無奈」，「龍山寺之戀」也不例外。本片從歌曲的運用就能了解整齣戲要傳達「族群大融合」的概念，原本的客家山歌-「天公落水」給外省籍的女主角改為用國語唱，而且還改編歌詞。本片不論是從歌曲、人物、角色使用的語言等，都在在顯示當時外本省嚴重的省籍問題和族群紛爭。電影反應時事，因為228事件的關係，身為外省人又是將軍白崇禧的親戚的導演-白克，渴望藉由一部輕鬆笑料的愛情喜劇，讓當時不論是生在長在台灣的台灣人，或是後來才到的大陸移民們了解-大家都是一家人。不僅從廟口老人的話語中質疑到底什麼叫外省人什麼叫本省人，更特意安排了被外省人扶養的羅先生和道地本省人的唐先生是親兄弟，原本競爭關係頓時成為互助合作一家親。同樣的戲碼也在女主角身上上演，原本和隔壁大雄丸在賣藥場大海上殺的一片紅，最後所幸雙方都盡棄前嫌而有並肩合作的藍海策略，打造雙贏(win-win)局面。然而諷刺的是，在拍完這部片後，導演白克即因白色恐怖事件入獄，兩年後被判處死刑。雖然導演有心想要讓族群融合，可惜時不我與，而龍山寺之戀也只能成為導演的遺作了。
從這齣戲不難發現台灣的文化脈絡的走向和改變。族群問題在當時看的出來是急需被解決的，同時也必須消除族群間的歧見。除了族群這種大議題外，導演也點出在接受西方外來文下衝擊下的台灣的樣貌。唸佛的婦人和一進家門就打開收音機聽阿哥哥跳起舞來的年輕小姐，兩相世代下的差異和所謂的代溝一目了然。這樣的西洋文化影響，在唐爸爸滑稽的裝扮和卓別林式的表演風格上更加顯著。傳統與開放，西洋與本土，外省與本省，當時的台灣社會就是在這多方的衝擊下度過的，也正是台灣尋找自我和主體的時刻。
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片名：三聲無奈
影片年份：1967
出 品 國：台灣
出 品：宏華
語 言：台語發音，國語配音
色 彩：彩色
導演：辛奇
編劇：辛奇
原作：金塗
演員：金玫 陽明 金塗 戴佩珊 丁香
民國50年代的台語片似乎與教育社會大眾基本倫常與道德觀念脫不了關係。比燒肉粽早兩年出品的「三聲無奈」不僅大膽透露了當時社會文化下，一直受壓抑的女人正在衝破逆境，更毫不保留的告訴觀眾惡有惡報，善有善報。而男人在裡面的角色越來越顯得無足輕重，有別於古典好萊塢由男性帶領敘事軸線的做法，台灣早期的台語片卻是讓女性角色來引導觀眾進入劇情。然而，很明顯的觀眾仍可以看到台語片受好萊塢電影的影響，在構圖及氛圍營造上都可以看到當時流行的黑色電影(film noir)的影子。「三」片不論劇情內亦或劇情外都非常的社會寫實，本片讓觀眾看到當時台灣的社會情景與文化脈絡的變遷。
首先片中甫開頭即是黑暗的漁港邊，遠方燈火閃爍的長鏡頭，並且配上當時的台語民謠-台東調改編而來的。然而導演用歌其實別具巧思，因為「青蚵嫂」的曲子也正是歌曲「三聲無奈」的調子，只是歌詞不同。然而「青蚵嫂」的歌詞更能突顯當時女性獨立自主，開始加入社會生產勞動力的行列。此外由歌詞「命運好歹是無計較，那是打拼喂是會出頭」展現出台灣人一貫刻苦耐勞的打拚精神，這樣的苦盡甘來不管是在「三聲無奈」還是「燒肉粽」中都十分明顯。片中開始的黑暗場景和隨後暗巷的強暴戲碼都有一種好萊塢黑色電影風格。黑色電影場景不脫黑暗的犯罪城市，當時的台語片成功的運用了這個元素，不僅讓影片添增國際風格，同時也提高了影片的精采度(或是灑狗血的程度)。片子前段的行俠仗義不外乎是為了之後知恩圖報的感人情節鋪路。女主角(金玫飾演)因父親欠債2000元新台幣，討債流氓企圖佔其便宜，所幸好心的李姓商人(陽明飾)出面解圍，讓女主角免於受之玷辱。從片中流氓對於2000元新台幣如此計較，則可知當時幣値比現在來的大多了，能拿的出這些錢的人表示其經濟能力相當不錯。從借錢、2000元、商人等元素看出當時社會經濟的大致狀況和民生百姓的經濟能力。
「三」中為了呈現當時中產階級家庭的樣貌，加入了爵士樂曲，這不僅表示當時的中產階級家庭有能力接觸西方文化，同時也是電影受西式影片影響後的結果，使之更加國際化。此片不僅在拍片的風格與手法上呈現國際風格，在議題上更跨足了泰國當時動盪不安的國內政治和早期台商如何開疆拓土，才有後來亞洲四小龍之一的台灣。
另外有趣的一點是片中陽剛男人失蹤，陰柔男性反而得以存留的特殊狀況。片中男主角在開始就因為要出國經商而消失於敘事線中，往後的大半個故事中更只稍稍提到他在泰國所遭遇的困境。其後整條敘事線都是由女性推動，不論是李太太成為舞小姐，還是阿忠及女主角帶著老闆的女兒被趕出家門。陽剛男性在片中不復存在，剩下來的是男子氣概較弱的丑角-阿忠。由女性角色擔任主軸的片子與當時的古典好萊塢電影相去甚遠。即便是陽剛男性在台語片中也必受到挫折，唯有折損其男子氣概，例如：阿忠失明，老闆在泰國被關，他才有權力回到片中。影片在男性離開後成為一個陰性空間(chora)，由女性主宰的空間。但妙的是，女性居於這樣的地位卻從來不敢僭越進而取代男主人的地位。可見在象徵秩序下，以陽具為首的父權社會還是具有十分的支配權力。而在以父權為基礎的原則下，片中給女性一個大躍進的機會，並且提倡「生女比生男好」，完全一反我們「男重女輕」的傳統觀念。片中女主角身兼孩子的褓母和職業婦女二職，一來顯現婦女勞動能力的提升，也對社會大眾展示獨立新女性的典範。所謂「出的了廳堂，進的了廚房」，在台灣對於台灣女人的要求就是要能賺錢又能相夫教子的職業婦女，而女性的大躍進案例在往後的影片中還能看到。
最後，講究人情與家庭倫理的台灣電影還是不失家庭大團圓的戲碼。而這次，男主角無論無何都要讓孩子有個母親，似乎家庭最後是以孩子為中心，無論如何為了孩子的成長務必給予其完整的家庭。對家庭完整的重視透露出傳統社會對於家庭的觀念就是父母子，三者關係缺一不可。因此即便看來可笑，孩子的爸能夠對前妻盡釋前嫌只為讓女兒有媽媽，也能娶一個觀眾並不知道他愛不愛的女人，只因為女兒與她已形同母女。最後的家庭大團圓處理的太過草率，但或許也是當時的社會風氣下必須要有的結局吧
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影片年份：1969
出 品 國： 台灣
語 言：台語
色 彩： 彩色
導演：辛奇
編劇：辛金傳
演員：陽明 金玫 金塗 戴佩珊
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郭金發一曲燒肉粽歌詞不外乎是描述年輕人沒什麼謀生能力，為了討生活暫且做做賣肉粽的小生意糊口度日,小老百姓的心聲及社會的甘苦面似乎都反映在歌詞當中。同時也到出了台灣人的草根性及刻苦耐勞的打拚精神。
而在電影燒肉粽中
我們一樣能看到如此刻苦耐勞的精神
同時也顯露出鄉下與都市的差距以及城鄉之間人民心理的隔閡
原為生意人的志明因為私德不檢點
中了情婦的計謀 不僅把自己的賢妻趕走
財產也被情婦騙走 人才兩失
所謂善惡終有報
對妻子不忠卻還理直氣壯的志明在電影前半段就慘遭報應
而在志明誤認妻子偷吃的毆妻家暴片段中
也不難發現過去傳統社會下的家庭結構
男尊女卑 以夫為天
丈夫在外尋花問柳 交際應酬是應該
女性則還是必須遵循三從四德的傳統
而男人對女人施加暴力似乎也是家常便飯
但是隨後這樣的景象馬上被鄉下的一對夫妻顛覆
平日打打鬧鬧 老婆好似母老虎
老公似乎被欺壓
但實際上又是感情恩愛的夫妻
且為人樸實熱情
就在男主角志明一貧如洗後
隨即帶著三個孩子搬到鄉下
做些零工
所幸有個乖巧懂事的大女兒-秀娟
而秀娟則是本片所有好孩子和忠孝仁愛信義和平的具體化!
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未完
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在藝術對談課上看完這部片後，有同學說了曾有人說"我今天去看醫生 醫生什麼都沒說"
他真的什麼都沒說嗎?
還是你聽不懂
若把焦點關注在溫醫生的兒子身上那未免太狹隘了一點
首先想回應上次討論的內容有兩點
1.傳宗接代而無法完成自己夢想的壓力
2.片中重男輕女的現象
老實說我們無法了解felix到底是不是因為傳統壓力而感到喘不過氣
然而我認為他既然是個懂事的小孩必定是了解自我的地位
想當神父這樣的志願跟他生命的選擇我想是沒有必然關係
如果他是認真想當神父並且虔誠篤信天主教的話
他根本不會那樣做
至於重男輕女 說felix的鏡頭比姊姊多
我只能說!
bullshit!!
今天故事內容是講felix當然他的鏡頭會多!
那些home video當然也只是擷取他的部份
要是今天是講他姊姊 那是不是我們又要說這個家庭對姊姊的關愛比較多?
這個論點完全是nonsense
"醫生"以一種很客觀的角度
平行對照兩組病患sabastion & felix(如果我們稱之為病患的話)
他們同樣的透露出了生命的選擇以及對生命的態度
還有生命是否是能自我掌控
到最後人都難逃一死
sabastion和病魔對抗 他並非沒有想放棄過
如果他能選擇 他是否會選擇放棄?
所謂的解脫 對他來說是好的嗎?
在影片後段看到了sabastion康復的樣子
但是 幾年後 他還是走了
好像無論如何 命已定
felix選擇自己結束生命
是遊戲玩過頭的意外還是認真思考後的自殺
我們都不知道
導演回頭追溯
想看出小孩子的心理與思想
想憑藉一些蛛絲馬跡找出事件發生的緣由
除了描述對生與死的態度外
也從溫醫生的兩種身分中看出在卸下白袍後的他
以一個父親的身分自白
我相信有很多孩子小時候對於生死這種事情會很有興趣
如同我小時候看到電視連續劇上演自殺上吊等等也會很好奇
我可以理解felix會玩上吊遊戲
桑號我以前也會想嚐試看看 只是沒啥機會
有時候會拿條毛巾假裝吊在脖子上
至於爲什麼獨獨上吊會讓人想嘗試
而不是想嘗試割腕 臥軌 跳樓
原因很簡單 因為那些會真的死!
然而你不是想要真的死對吧
你只是想feel it and know what it's like
割腕會痛會流血 而且太容易被發現
爲了讓自己不要受傷 也不要讓大家知道 所以不會選擇這個辦法
其他的麻~ 當然是因為是真的會死囉
上吊
是一個你桑號可以自行控制的辦法
只要你還有一口氣你腳下能踩的到東西 你就可以逃開
孩子會喜歡去嘗試危險的事物
因為很刺激
危險度越高 代表越刺激
當你玩久了當然很可能會玩火自焚
felix是不是因為玩火自焚
還是他真的想要涅盤 這完全不得而知
但是從他小時候對於來世的概念和期許
我想 這應該也是跟他所接觸宗教和他個人有興趣的東西有關
回想我自己小時候
是否有想過死了要什麼東西陪葬
似乎沒有
可能也是因為我對長大後的人生的期待比來世的期待要大
所以暫且還不會去想
對於felix來說 來世或往生是很重要的
在死的那瞬間意味著生的開始
對於sabastion或felix都是
一個小小的身體
病著 活著 死
哪樣好?
這部片應該能讓我們重新思考對於生死的價值判斷
一個瘦弱的身軀 sabastion在病中求生存
一個開心的孩子 felix無疾而終
是Sabastion不敢決定自己的生命走向
還是felix內心有所壓抑
而醫生他們又是怎麼看待
身為一名醫師
目的是要救人
然而在救人的同時 我們看到了suffer
到底怎樣的價值觀是正確的?
活著 suffer 救贖
還是說 最後的救贖還是來自於上帝呢?
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本章所提到的風格把範圍更為擴大到電影的技巧使用風格，例如一片中慣用的運鏡模式以及敘事的pattern。
當然這種風格又可分做敘事形式與非敘事形式。
本章拿大國民為例，說明片中如何運用鏡頭和空間技巧來講故事。
其中比較重要的是如何分析電影風格
有四步驟:
1. 決定該片是敘事性或非敘事性的形式系統
2. 辨識顯著的技巧:色彩、燈光、取鏡、剪接、聲音等
3. 該片中技巧的模式
通常技巧會重複
4. 提出這些技巧的功能及他們形成的模式
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本章分析聲音在電影中的效用，大約有以下幾項:
1. 聽覺上的感受
2. 影響觀眾對影像的詮釋
3. 吸引觀眾對特定影響的注意力
4. 聲音提供更多剪輯創意的可能性
聲音可以製造空間感、距離感，例如迴音讓我們知道空間是空曠的。
還能增加影像的威力，像是後製加上的爆炸聲，增添了爆炸畫面的震撼性。
不同的影片配合上不同的音樂/效可製造不同的情境，鐵達尼號一曲my heart will go on，讓整部片增添了浪漫又生死相離的色彩;希區考克則利用尖銳的的聲音營造恐怖氣氛。
隨著劇情節奏加快，配樂或音效的tempo也跟著變快。當然也有逆向操作的手法，例如殺人魔在犯案之前先放一曲古典樂或貝多芬的交響樂，手法雖不同，但目的一樣，都是爲了突顯某段劇情，讓觀眾注意加深印象。
畫外音也讓影片更加豐富，甚至創造了影片的全知觀點
另外，此章提到，電影聲音具三特性:
1.忠實度
2.空間感
3.時間特性
另外此章以死囚逃生記作示範，講述聲音各種技巧與效果。
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如同新天堂樂園般，香料共和國同樣具有南歐電影的歡樂氣息和濃濃的人情。
香料共和國透過祖孫情帶出人生和菜餚以及香料加油添醋的關係。
正因為有了香料，菜餚更加美味，而人生也需要各式各樣的人事物來豐富。
探討菜餚與人生哲學這已經不是新意，從飲食男女到濃情巧克力再到water for chocolate還有德國人到義大利尋愛的美味關係，到底這些菜這些甜點告訴我們些什麼?
香料共和國的各種香料們灑出了一段種族的紛擾和國家的動盪不安。如同A級控訴般，人民必須離開自己的家鄉，直到後來才能再回去尋根看看那斷垣殘壁。在[香]片中，希臘裔的土耳其人因為希臘與土耳其關係緊張必須遠離家園。在土耳其人家叫他們希臘人，在希臘卻又被叫土佬，裡外不是人的國痛家哀，也難怪男主角的父親在被驅逐出境當時會有那麼多內心掙扎。
全片分為開胃菜，主菜，甜點。而餐點中，往往最讓人驚訝的就是甜點。男主角多年來單戀的珊美最後嫁做人婦，原以為有機會再次聚首，沒想到已經太遲，跟新天堂樂園有異曲同工之妙。
整部片首尾呼應十分到點，外公用香料敎男主角天文學，後來竟也成了天文學家，小時候的青梅竹馬嫁給了鄰居，而那妳跳舞我煮菜的約定也一直延續到最後。
然而到最後會有一點讓人抓不到重點，究竟這香料想表達的是時間的推移還是祖孫情又或著是男主角的人生歷程，或者是全部?
我想如果這部片能夠更著重在味道引人發想上面，或許會更具風味。
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剛開始看到片名以為會是警察臥底這種好萊塢片，沒想到是一部討論父子關係的荷蘭電影。
其實在看的時候我就有諸多疑惑，對劇中人物的疑惑和整部片不協調的tone調。
鏡頭一開始便是一個長鏡頭拍攝一名年輕人怒氣沖沖感覺要找人尋仇的走著，
接著拍到一棟建築物。
這時候整部片人物的衣著，拍攝角度等都十分像黑白片
當這名年輕人進入建築物看見那位司法官，走過從天花板透下的一盞光時，
那燈光更像是黑色電影愛用的陰影。
從兩位角色的服裝，帽子和場景以及由下而上的拍攝角度和高反差的打光讓這部片
變得像是一部驚悚片或是謀殺案電影，懸疑和驚悚的感覺在這前5分鐘推疊的十分成功，
一直到從主角雅各被抓到警局審問時都還是瀰漫著懸疑的氣氛。
後來雅各開始講述他的故事以及和司法官的關係時，
那股懸疑感漸漸消失，(偏偏司法官和他媽媽又演得很詭異的樣子)
配樂隨著主角長大進入到律師事務所越變越輕快，也充滿著華爾滋。
原本懸疑片的感覺頓時被打斷，也覺得整個tone調越來越不合。因為每每拍司法官時那種冷酷
詭異的感覺又出現，因為燈光是如此的明亮，音樂輕快，看起來前途十分光明。
我認為導演在這部分並沒有處理的很好，他可能在前段要故意營造懸疑感，但在後面卻突然消失了，緊接而來的是雅各傳奇性的一生。
片中父親的角色一直顯得冷峻無情，對兒子的訓練方式也是要讓他受挫後變更堅強。
但是在父親情感方面令人不解的是他之所以如此堅持娶雅各母親的原因是什麼?
他讓兒子一次次受挫的心態和目的是什麼?
而雅各的母親又為何不選擇結婚反而說"我們不需要他"
雅各母親背後秉持的理念是什麼?
這些細節都沒有好好交代清楚。
另外，雅各父親爲什麼要對破產人民行使驅逐令，
又為何如此不通人情?
雖然電影成功塑造了一個冷酷無情的人，但卻太過平面，也太理所當然，觀眾看起來反而會覺得不知所以然。
雅各在對抗他父親的過程中成長，也如他父親所願長成一名傑出的青年。他父親自殺是否是因為終於看到兒子有成可以如願以償同時也終於可以從驅逐窮人的罪惡感中解脫?
最後看到的是即便一個看似冷血動物的司法官，還是默默的付出父愛，即便他的方式不對。
我想，這部片好在鏡頭使用十分流暢自然，
但是人物內心的情感，除了主角以外應該可以在介紹多一點。
畢竟週遭的角色也是建立主角的重要關鍵。
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這並不是第一部談論老人癡呆症也就是阿茲海默症的電影。
印象最深的是手札情緣，最近則是明日的記憶。
若要比較這三部電影，手札情緣著重在這對夫妻的愛情史，
明日的記憶清楚的描述了阿茲海默症的症狀以及病人和其家人所面臨的種種挑戰。
長路將盡同樣是描述一對夫妻的愛情史，運用時空交錯的剪接手法，讓觀眾看到現在的Iris和活潑外向、擁有獨立思考堪稱一代女文人的她。從語言文字中，從台詞中，這部片闡述了Iris對人生的看法，提供了哲學性的思想，並且貫穿本片-人的感情最重要的就是愛。我們愛各種事物，人類、植物、甚至石頭。John對Iris的不離不棄，正體現了這個道理。
片中展現一種哲學意味，就連場景處理也都十分意象，
像是在水中游泳，Iris在水中遇見年輕的自己，在海邊用石頭壓住一張張白紙。有時候觀眾會不了解爲什麼會這樣子，這代表了Iris內心的獨白亦或是她要表達一些特殊的情感?
it seems a little bit far away from the audience.
我認為令人哀傷的是，在影片開始時Iris是如此的有條不紊，
腦袋如此的清明，而到最後卻成了一名失智老人，落魄的死去。
一代才女最後卻難逃病魔的手掌。
和手札情緣的感人愛情以及明日的記憶的溫馨親情比起來，
我覺得Iris的確落寞許多。
兩個老人，都自顧不暇了還必須再照顧一位病患，
雖說是女爵，但也只是名號，生活的環境卻越來越糟。
一名失智的老人和另一名無助的老人，
這樣的晚年生活多麼令人心酸。
不過就剪接來說，這部片的剪接和轉場的確十分用心，
有一幕年輕的John從門縫偷看Iris，鏡頭一轉卻是看到
年老的Iris，這不僅給觀眾時空錯置的感覺，更有讓人好奇到底
當初John看到了什麼。
畫面的串接讓人有種奇幻感，穿越過去和現在。
這樣的敘事手法也的確與其他兩部不同。
最後，雖然老人癡呆症已經不是什麼新題材，
但是若能在這題材中找出另一番人生意涵的話，
也算是成功了。
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本章介紹了各種不同形式的剪接及剪接影片所產生的效果。
基本上，一般的敘事電影或是好萊塢影片都是依敘事線進行順剪，偶有逆剪的狀況，用於劇中人物的回憶等等。
另外還提到鏡位及剪接之間的關係，其中最重要的是180度線。這是觀者在畫面中看到的人物位置，如果任意越線十分容易讓人搞不清楚方向和空間。爲了要明白的展示空間與人物關係，影片通常會先帶一個確立鏡頭，一個全景，告訴觀眾目前所在的位置，以及環境配置。但是有些導演卻不遵照這樣的法則。其中文本提到艾森斯坦運用不相關的畫面拼貼，以蒙太奇的方式組織成有意義的影像。我認為影像的確是可以這樣靈活運用的。
並且180度線我認為也應該被打破，像是小津安二郎認為空間應是360度，因此他在這環形的空間中移動自如。
本文中提到幾點很重要的剪接的特性
圖形關係
節奏關係
空間關係
時間關係
一般在看電影時可以時常看見導演用類似圖形溶接的巧思，接的巧妙可以讓觀眾看出圖形與圖形間隱含的意義，這種影像的幽默十分饒富趣味。
節奏更是一部片子的重點。
依照影片的風格和劇情的走向剪出不同的節奏。
以往我們看到較為激烈或緊張的場面畫面的更換速度會加快，
但近年來我們也看到反向操作。例如，在打鬥或是子彈射穿的一瞬間，步調變慢，例如駭客任務，很多武打場面越來越常這樣運用，
以突顯該畫面的強度，讓觀眾看的清楚。
增加畫面強度還有另一種方式就是重複畫面。
有時導演會同樣的動作用多角度拍攝，畫面重複但卻更具震撼力。
通常會用在整齣戲特別重要的轉捩點或是高潮。
有些導演會選擇用慢步調來呈現一部激昂的影片
利如葛斯范桑，或是侯孝賢的悲情城市。
平穩的速度和激烈的劇情產生極大的反差，這也不失為影片詮釋的方式之ㄧ。
空間關係就是先前提到的空間建立和人物配置的關係，180度線的問題。 而我認為這可以被挑戰，實際上也早就有導演和實驗電影大膽的挑戰過。
時間關係算是觀眾最難接受的改變。
記得我第一次看高達的<狂人比埃洛>整個傻眼。
完全打破我們所知道的順行敘事線，也和倒敘不一樣。
時間的錯亂讓觀眾很難follow，可能有點像畢卡索的畫，
解構之後出現的新結構。
觀眾第一次看不一定能清楚整個故事的前因後果，必須自行組合。
又或者是說，其實時間關係在這裡也非如此重要。
當然這屬於極端的時間不連續剪輯，一般的時間不連續是把某些動作的過程省略。因為影片長度有限，如果要以時間連續的概念來拍一個人從紐約飛到東京，那根本不可能。因此在電影敘事上，能交代清楚事情的首尾基本上就OK，至於過程除非具有特殊意義，
通常會省略或是精簡。
當然有時候這影片的不真實性也讓觀眾發噱。
我們常常看著影片笑說哪可能那麼快。
例如一名廚師三四個鏡頭就做好滿桌的菜，
或是從一樓到100樓只花了兩個鏡頭的時間。
剪輯和鏡頭相輔相成，有好的鏡頭剪輯起來才會漂亮，
然後再透過剪接師的手來建立影片應有的效果。
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老實說，悄悄告訴她這個片名我在各大影片座談會和各影評布洛格看過不下十幾次，也知道它是阿莫多瓦十分經典的影片之一，
對於台灣人來說，這部片更是具其代表性，因為它讓一般老百姓認識阿莫多瓦，而且也是難得幾部賣座的非好萊塢電影。
我印象中只有當初悄悄告訴她的巨型掛報，而內容卻從來沒去了解過。直到近幾年頻繁接觸藝術電影和非好萊塢電影，才知道這部片子究竟在說些什麼，而這次更是第一次完整看完全片。
首先想要講阿莫多瓦的風格。
承襲西班牙的人文風情，阿莫多瓦的影片總是色彩鮮豔。
天藍色的柱子，紅色沙發，橘紅色壁紙，等等。
強烈的顏色讓人在不甚美好的故事情節中感受到一點人性的溫暖。
對阿莫多瓦來說，世界是繽紛的，即便生命並非如此完美，
男主角對阿莉莎無盡的愛意卻成了罪惡，但生命依然是美好的。
阿莉莎醒來並且將和馬可展開一段故事，雖然我們並不知道會是什麼樣的故事，但somehow應該是令人開心的。
拿最近一部阿莫多瓦的"Volver"來比較，一個殺夫並且生下父親的孩子的女人，看似不幸，但卻意外獲得重生。因為母親的歸來，
讓她解開心中的謎，這時候四個女人彷彿找到了自己，重新回到屬於她們的地方。阿莫多瓦對生命的詮釋，或許就是西班牙人樂天
個性的最好闡述，總是在最糟糕的狀況中看見生命的美。
而這部影片更將重心放在男人情誼上。
劇中巧妙的玩弄貝尼諾的性向。
貝尼諾在外型上顯的較不陽剛，又是一名男護士，白白胖胖的體型和比女人還細心的程度讓人有同性戀的錯覺，但他卻是如假包換的
異性戀愛著阿莉莎。
反過來說，外表看似man的馬克，卻是個內心柔弱的男子，
看舞蹈的時候還情不自禁流下淚來。
兩人因為愛人的關係結下不解之緣，而阿莫多瓦似乎也有點故意挑戰觀眾對同性戀的刻板印象和對男性情誼價值觀。貝尼諾被誤認為同性戀，或者是說讓人反感或遭受異樣眼光的同性戀身份竟成了她的擋箭牌，讓他可以留在阿莉莎身旁，而他也樂於被這樣誤會。
他與馬克過從甚密的友情，讓人不禁產生遐想，但是觀眾可以很清楚的看出來這兩人之間真正的關係，其實就是莫逆之交。最後貝尼諾進監獄時，他還說想給馬克一個擁抱，卻不敢申請親密探訪，因為必須要說馬可是他的男朋友，但馬可確認為這種東西在這段友情中根本不算甚麼。阿莫多瓦不斷的運用各樣的言語或互動若有似乎的點出那同性戀的意象，但卻又馬上破除我們的迷思，他告訴觀眾
其實男人之間是存在著那樣神聖的友誼(soul mate)，超越一切，同為天涯淪落人，相逢何必曾相識。
我想阿莫多瓦能夠如此巧妙的遊走在同性戀與友情的界線之間，可能多少跟他自己的性向有關。正因如此，他更能詮釋那樣細膩的情感，也更能玩弄那樣的電影語言。
最後，在這部片中貝尼諾的痴心令人感動，但換個角度想，
這樣的人若在身邊出現，可能多少都會被認為是有病的吧。
阿莫多瓦在這部片中澄清了許多迷思，他澄清了植物人不會醒來，
澄清了人有無盡的愛，澄清了外表白胖的男性就是gay，
澄清了男性之間其實存在無比的情誼。
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這是我第二次看這部片，第一次看是高中的時候，那時好像還沒有看完，只記得她跟狄亞哥分開就沒了。當時只知道Frida是一名很有名的墨西哥女畫家，她的畫帶有個人生命的痛楚與獨特見解，而在這如此痛苦之下，她的顏色卻又是如此的強烈與鮮豔。她的畫講述了她的內心情感，她的愛與愁。
這次在看的時候，除了注意她和狄亞哥之間的愛情外，還注意到片中所陳述的歷史背景。
1920年代仍是一個紛亂的時代，世界大戰，馬克思主義，資本主義，各家學說風起雲湧。藝術家更擔負起社會責任，教育人民和背負思想及理念。狄亞哥就是時勢創造出來的英雄，然而到最後隨者社會主義的沒落，狄亞哥的畫作也漸漸被遺忘。反倒是畫出生命的Frida能夠感動不同時代的心靈。 我佩服Frida在意外後還能拖著那樣破碎的身軀繼續她的人生。美好的青春因為一場車禍而讓她從此殘廢，但不服輸的她卻選擇做個自立自強的瘸子，或許這跟她的男孩個性有很大的關係。
好強的個性和男孩子氣也是她日後找尋女伴的一個伏筆。但奇怪的是，面對這樣的情節發展，我們會驚訝但並不會有太多厭惡感或是將之歸類於同性戀或雙性戀者。彷彿在Frida的生命故事中，我們看到了什麼叫做做自己"be your own person"
或許就是那股傲氣和乾脆的個性令狄亞哥著迷。
雖然狄亞哥傷了她的心，但最後當狄亞哥再次回頭時，她還是給了對方機會。命運互相羈絆的兩人，其實誰也離不開誰。這樣的感情十足令人感動。然而弔詭的是，現任妻子可以和前妻做好朋友，甚至前妻還去參加了他們的婚禮，看在我們的眼裡或許只能說藝術家就是異於常人吧。 她們如何能有那樣寬大的心去看待事物。也許跟狄亞哥講的很像，"世人都把性看的太嚴重了，其實那沒什麼"
也許那是他爲自己找的藉口，但換個角度來看，很多事情的確可以很輕鬆的去看待。某部份來說，我還滿能體會狄亞哥所說的"生理無法專一，但心是專一的" 但是這種靈肉分離的概念，實在太神性也太哲學了，除了藝術家和思想家外，能接受這種觀念的恐怕寥寥無幾。
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本章談到攝影分為
1. 影像速度
2. frame size
3. 攝影機運動
4. 影像特效
5. 影片比例
6. 空間和焦距
這些元素都影響影片的呈現
同時也是導演用來表達想法和想要營造的氛圍的手法
攝影是一門太高深的學問
我認為除了了解那些中景 遠景 近景，俯角 仰角，和使用的輔助道具外，更重要的是要明白該在什麼樣的地方使用這些技巧
例如，利用仰角和高反差塑造主角的壓迫感
或是利用特寫鏡頭強調影片的重點
其中比較令人印象深刻的是特效的發展
從早期的洋片就常看到演員在佈景前演戲的畫面 (背景放映)
這樣的效果其實很粗糙
舉例來說，許多古早洋片的開車場景都是後來在key上去的景，
實際的車子其實是在棚內拍的
很明顯的都看的出來
後來慢慢發展到前景放映
透過鏡子的反射 攝影機直接拍攝在鏡子內已經合成過一次的影像
如此一來自然許多
在現代電腦合成出現之前
最讓我驚艷的合成科技是blade runner!
在那個時代居然能拍出如此科技之片
而且毫無不自然之處
我想特效在這部片中發揮到極致
後來的sci-fi片無一不承襲本片的未來世界場景
經典中的經典
ode to blade runner!
之後發展的藍幕技術，由電腦後製key上背景
讓電影顯得更多彩多姿
不僅真實自然
同時能夠省去許多拍攝的麻煩
例如帶領大批隊伍到外地實景拍攝
(這或許也是爲甚麼後來許多大片要強調某地實景拍攝的原因)
還能打破許多演出上的限制
我想 特效的發展當然是base on攝影技術精進之下
攝影技術越發高明與特效互相配合，相得益彰
第二
本書對長鏡頭的解釋讓我有了更明白的認識
以往認為長鏡頭就侯孝賢那種放著不動的攝影手法
但後來看到溝口建二對長鏡頭的運用，才發現
原來長鏡頭不是always那麼死的
運用得宜其實影片會有一種趣味
與能章顯導演，演員，攝影的功力
第三
景框的比例真的很重要
電影院35釐米的影片
被轉成VHS或是VCD或是到電視上播放比例都不一樣
更重要的是 不是原本的影片比例就會失掉很多影像的訊息
美感也會打折
所以 大家還是支持電影院吧!!
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繼盧安達飯店之後 又是一部沉重的種族議題影片
每次看完這類種族屠殺的影片，都會有一種不舒服的感覺。
說不上來是什麼，像是一種沉痛，雖然這只是一部影片，
而這部影片也不斷地告訴你it's just a film, it's not true; however it's based on reality.
但是，眼睜睜看著殘忍的事暴行發生而我們卻愛莫能助的感覺令人
十分喪氣。
我想這部影片最令人印象深刻的應該是敘事手法的結構。
首先，他先點出ㄧ個ㄧ個小點，剛開始看到畫家，女教授，和他兒子，以及老海關，幾個似乎毫無關聯的角色，最後慢慢的，這些
角色圍繞著一個亞美尼亞與土耳其人的種族議題編織成了一張綿密的網。像類似以小點開始，最後互相連貫的結構在使用需要極細密的心思，角色與角色間的聯繫也必須有其不可取代的意義，不然，
角色間的關連性不夠強，這些整個結構就會顯的十分鬆散。我曾看過一部法國片也是以這樣的手法呈現，叫做"巴黎夜未眠"。此片似乎是想透過在巴黎的各種不同階級的人來呈現愛情這樣的主題，然而，角色間的彼此的不可取代性實在太弱，角色與角色間並沒有互相影響，也沒有所謂的secrete在裡面，到最後雖然是大團圓收場，但卻令人覺得缺乏原本導演所要表達的那種小人物與緣份感動。
回過頭來看A級控訴，首先角色與角色間的組織非常嚴密，
而且彼此都有不可取代的關係，他們都有和對方的"秘密"，
因為這些"秘密"，使得劇情更有張力。
女教授和繼女與其父親的死就是一個令人匪夷所思關係，而兒子和繼女，既是妹妹又是情人的關係更為複雜。
老海關的兒子是同性戀
他的兒子的男友是戲中電影的反派 同時也是在亞美尼亞與土耳其關係中的反派(如果說亞美尼亞是正的話)
老海關和女教授兒子的秘密
繼妹對於自己父親的死的疑惑和不願意面對
每個人都有自己的trauma和秘密
如果拿這部片子來做精神分析的話，必定十分精采。
這些角色的背景和彼此的關係，構築了整部片
同時加深了整部片的深度，它讓這部片不僅僅是討論種族議題而已，更是探討個人身分和自我定位。
電影中的大反派是個outcast，而在現實生活中也的確是個
基督教的outcast，即便是他的性向，他對那段歷史的看法都是。
女教授是研究畫家的專家而此片正好就是以這位畫家為起點來談論
自我身分認同的問題。
find your identity, find who you are.
這問題的解答，最後在兒子身上找到。
兒子曾經懷疑自己的父親爲甚麼堅持要刺殺土耳其大使。
究竟是什麼樣的信念讓他堅持?讓他不顧一切?
直到他從故鄉探訪之旅回來後，被扣查在海關要被檢查他的鐵盒
裡到底是底片還是毒品的那刻，他看到了他父親，他了解到他父親
當時的信念了，因為他始終都相信鐵盒裡裝的是底片。
而那樣的信念，一直橫貫再自我認同和國族意識當中，
亞美尼亞人identify自己，從戰亂中，從移民文化中。
記得電影裡高基爾的母親說，不要忘記你的母語。
母語正是國族認同的第一管道。
片中亞美尼亞移民們想要透過影片，歷史，和自我探索
去找回和再定義自己
我覺得這部片講的東西實在太~~~~~~~~~~~~~~多了
龐大到我覺得可以寫一本論文
角色的內心分析
彼此關係的分析 如何剖析情慾糾葛
國族背景與歷史分析
伊格言真的很厲害
他可以把這麼複雜的內容有條不紊的講出來
每個面都點到
但卻不光只是蜻蜓點水
而是能讓人往內深究
A級控訴得獎，實至名歸啊!!
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真人真事紀錄片改編的點燃生命之海
我想讓人感動與驚訝的不僅是演員精彩的演技
而是主角雷蒙的生命觀-選擇死的權利
究竟人到底能不能選擇死，死和生一樣是命定的嗎?
對於久病不癒的患者或是終身殘障的人
放棄身體是否對他們來說是一種解脫?
我想這不僅僅牽涉到個人自由意志的問題，更是道德問題。
安樂死早在10年前就討論的沸沸揚揚，有時候看到這些人的處境，
不由得會想或許在某種程度上，離開世界真的是一種解放和重新獲得自由的途徑。
我們可以在片中看到主角就像是一個被囚禁在床上的犯人-動彈不得。 諷刺的是他卻不願意坐上輪椅讓自己有機會去看看外面的世界。28年，某程度來說，拒絕輪椅如同逃避面對自己殘疾的事實。
主角勇敢嗎?
我認為他勇敢但也確懦弱。
勇敢的是他清楚明白的去選擇一條不歸路，懦弱的是其實他
不想面對事實。然而，身為人，我們需要被迫去面對自己
不樂見到的事實嗎?
假如今天買到了很難吃的飯，我們可以選擇去吃或不吃。在生命
的議題中，雷蒙選擇不要繼續活下去，就像選擇不要吃那頓難吃的飯一樣。我想他是有權力這樣選擇的。
而人們在面對到人生挫折時，選擇克服它的理由是什麼?
片中我們看到有許多朋友、牧師等試圖鼓勵他繼續活下去，
但是理由何在呢?
其實牧師講的一句話我印象深刻"人活著並不只是活動活動四肢而已，還有很多其他的目的"
沒錯，人活著的確不光只是活動四肢，然而在四肢無法活動時，
我們會失去許多許多，這是一體兩面。
而主角苟延殘喘了28年，一心求死，在這些日子以來他有想過讓自己的生命脫困嗎?
當我看到雷蒙神遊海邊的那幕，我似乎可以了解他的痛苦。
那是一件十分悲哀的事，只能靠著神遊，遐想，幻想來滿足擁有
健全身體的欲望，然而就在音樂停止那刻又必須被拉回現實。
看到這裡，眼淚都不禁流下。
平常的他或許能幽默的自我解嘲，但在那幽默的背後卻是極大的哀傷。換個角度想他其實是要用很大的力氣去撐起那看似笑看一切的笑容，如果不這樣做照顧他的人和家人們反而會更痛苦。自己對他們來說已經是一個負擔，如果在情緒上又要讓大家更低潮，那樣就太不道德了。
我想這部片營造了很溫馨且溫暖和充滿愛的氛圍，讓觀眾感受到
其實死亡對於這個人來說，對於是上的萬物來說，是不可怕的。
因為在死之前，我們得到了很多的愛。
最後我想推薦兩部相關影片
1. 同樣是講四肢殘障曾在HBO播出的
"生命的舞動" Rory O'Shea Was Here
講述兩位天生四肢萎縮的患者尋找生命的自由和出口。
男主角帥!
2. 香草的天空-阿湯哥版本
之所以推薦是因為這部片深刻的講述了面對與逃避兩種對待生命的態度，桑號可以當作很好的生命教材。如果可以選擇的話，
我們會選擇留在真實世界還是自己可以操控的夢世界?
另外，這部戲的第二女主角是Volver的女配角
真是萬年女配角呢。
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我記得盧安達飯店剛上映的時候就頗受好評
很多人都說看了很感動，在戲院眼淚直流
我也多次想要在唱片行買那99元的VCD回家看
只是遲遲沒有行動
這次終於看到了
我覺得看完這部片內心很沉重
那種沉重的感覺就跟看完悲情城市或是超級大國民一樣
人民自相殘殺是件很悲慘的事
看到盧安達的胡圖族跟圖西族因為政權爭奪互相殘殺
怎麼沒想到是比利時人害他們變這樣
偏偏要把帳算到自己人頭上
好像以前的228
雖然我沒有經歷過那段人心惶惶的時期
但是本省外省分裂和仇視歷史的確可以讓我感同身受
記得悲情城市中有一幕是梁朝偉被質問會不會說台語，還被用日文問，梁朝偉當下只能勉強的發出聲音說:哇西ㄉㄞˊ灣郎
看到盧安達飯店那種要一個一個被查身分證的感覺
就跟悲情城市一樣不舒服
同時也很悲哀
兩方人馬殺到後來，到底誰是誰非，誰對誰錯
甚至到底是誰和誰在互打，根本都分不清了
人們身在自己的家園，卻沒有一處安全
多麼諷刺
更可怕的是，從盧安達的內戰發現，所謂的國際幾乎無能為力
只能在血流成河，屍橫遍野之後再將那些叛亂份子送進監牢
但是早就為時已晚
正當最需要幫助的時候，西方世界選擇明哲保身，就連聯合國也無能為力
如同劇中尚雷諾所說:幫助盧安達不會爲美國或英國贏得任何一張選票
我們的世界必須這樣功利嗎?
人和人之間必須要用利益交換或是賄賂才願意幫助對方
片中的民兵和政府高官們，無不是要有好處才辦事
那些好處又算的了什麼?
美酒、金錢
想起中國民初那段動當不安的歷史，軍閥割據的時候，似乎也是這樣
所以才會有親美、親英、親法、親日不同的軍閥出現
還不都是要好處
自己的國家就這樣拱手賣給別人了
這樣內部鬥爭擾攘紛亂的劇情，看在我們中國人、台灣人眼裡
真是情何以堪
恰恰我們就是那麼能夠體會
到了緊要關頭，沒想到就是那幾張臭錢能使鬼推磨
男主角保羅運用他的智慧和交際手腕救了上千個難民，
就像辛德勒名單一樣
在戰爭的時代，沒有人情，只有現實跟金錢
在片中我真的看到了什麼叫做口才好
當比利時總部想關閉飯店時
保羅以公司的名譽強烈建議總部繼續維持營業飯店
並且還說了"沙漠中的綠洲"這樣得主管心的話
看來要在社會和時代中求生存，口才的確是十分重要
保羅因為是個飯店主管
每天都在和客人斡旋協商
自然而然訓練的好口才，沒想到竟成為救命仙丹
看完這部片子，真的很想好好愛自己的家園
政府高官和黨派在那邊擾攘
跟我們小老百姓何干
可憐的是
到最後受苦受難的都是老百姓
人民果然還是要靠自己的力量
不要被族群分化了
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我記得第四台播雙面情人不下數十次
然而這是第一次我好好從頭到尾看完
也終於明白為什麼以前我總是看不懂
因為我都不是從頭看!!
言歸正傳
如果要給雙面情人下一個橫批的話，那最絕對會是-殊途同歸
我不知道原本劇本的角色設定是否就是一個人兩樣命運
因為乍看之下
似乎會以為是兩個人
有時候我會覺得演一個人的兩種遭遇的需要性在哪裡
所以，是應該要演一個人的兩樣命運
還是演兩個人的不同際遇?
而且到頭來，其實都是一樣的結局，看不出進了電梯跟沒進電梯
到底有什麼不同。
剛開始，影片的確十分有吸引力
導演巧妙運用的時空的錯置
讓同個場景但是發生不同事件
讓觀眾有種擦身而過的感覺
這的確是很有巧思
常常一個鏡頭pan過來再pan過去的時候
已經換到第二個人的命運場景了
我想在手法上，的確是一種實驗性的創新
但是就內容上
我會想看到究竟那樣的會造成命運什麼樣的大改變
我們的確看到了在過程中一好一壞的差別
中間過了一段剪不斷理還亂的愛恨糾葛
然後發生意外
最後得到同樣結果
只是兩種命運得到最後好歸宿的早晚不一樣而已
不過從這部片可以看到儘管是兩相不同的際遇
人的命運似乎還是有些逃不掉的業障
例如:遇到壞男人
前後兩個男人都劈腿，只是一個劈了前女友，一個和前妻尚未劃清界線
而最後片子隨即演出詹姆士是海倫的真命天子
實在讓人覺得有點草率
幾句話就說服成功了
本片基本上我覺得除了手法創新值得讚揚外
我覺得在內容上普通而已
也因為必須也出兩種命運
所以在鋪成上就比較沒有那麼細緻
像是有搭上電車的海倫，在後來跟詹姆士的愛情和公關公司發展
上就顯得十分快速
而且爲甚麼沒搭上電車的海倫就一定要去餐廳端盤子
這也是有點說不過去
感覺像為賦新辭強說愁
只因為要突顯兩種命運
所以才故意這樣安排
營造沒搭上車的海倫命運走勢一落千丈
另外一個海倫則巧遇貴人相助
仔細想起來
似乎太過理想化也太戲劇化了
因此我覺得這部片子應該可以做的更好
要是把它變成兩個女人的故事
或許會更有發展性和吸引力
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星期一看完迴光報告，驚訝的是大家罵聲一片。
大部分的同學都覺得劇情鋪成沒頭沒尾，也看不到他想講的主題。
但我看完後並沒有覺得這是一部很爛的片，或許他的確是有點沒頭沒尾，
同時也喪失了原本想要講述剪輯師操弄命運改寫歷史的主題，
以及質疑迴光晶片在道德立場上的正確性。
但是大致上是可以抓住一個概念，那就是迴光晶片其實在道德上備受爭議。
這類的議題老美最愛，從複製人的正當性、基因改造、機器人、人工智慧、現在是保存記憶的迴光晶片。講述保存回憶和生命的片子不計其數，像是由我最喜愛的兩位演員伊旺麥奎格跟史嘉莉嬌韓森所主演的<絕地再生>(The Island)或是AI人工智慧，甚至是阿湯哥的<香草的天空>都可以跟保存生命記憶和主宰生命這樣的議題扯上一點關係。
而在這樣的片中，觀眾想要知道的，應該是
1.該儀器的特殊性
2.該儀器對人類的影響
3.該儀器讓人類在道德價值觀的衝擊
4.該儀器最後被捨棄或是被解放
我想如果沒有滿足觀眾者幾點的需求，或是沒有充分講述這幾點，這部科幻道德倫理片是很難不被評為爛片。
<迴光報告>首先定義了迴光晶片的用途，基本上就是保存一個人一生的記憶，最後供人憑弔。
我們看到影片一開始是主角小時候發生的一件事故，他一直以為是他害死了同伴，這樣的鋪程以及影片最後的結果應該是要首尾呼應的，但在後面會提到，事實上找出他記憶的真相跟結局並無多大關係。再來是剪輯師替一個死者剪輯他的生前影片，觀眾看到實際上剪輯師所擷取的記憶片段，是很避重就輕的，通常人類邪惡的一面會被剪輯掉。迴光晶片對剪輯師的衝擊不同於一般人。
影片一直到前10分鐘都很充分描述迴光晶片的用途、目的、功能，因此，特殊性的描述是足夠的。
此外還提到了"剪輯師"與"迴光晶片"的微妙關係。剪輯師是否有資格做"神"的角色，人類是否有權力去選擇和編輯他人的生命，如果剪輯師看到了邪惡的事物，是否應該站出來伸張正義?
在第一個死者的迴光晶片中，觀眾看到了一個討論點-剪輯師與秘辛揭露。
正因為他可以看見人類邪惡的一面，剪輯師是否必須站在一個良心的角色來揭露祕辛，然而諷刺的是，就算能揭露祕辛，當事人都已經死了。
如果本片持續圍繞在"剪輯師的道德感"這個主題的話，或許本片會比較有組織。而其實它應該也是想要探討這樣的道德倫理問題。因為我們看到了反天眼科技的團體出現，要揭露祕辛。後來的男配角出現也是為了同樣的目的，剪輯師互相討論的話題，評論某人的人生等，這都是對人類價值觀的衝擊。
然而，這些鋪程在中間被打斷。在影片中段，我們看見了剪輯師的女朋友出現。這個女孩的出現，先不說莫名奇妙，基本上年齡的差距讓觀眾在視覺觀感上十分的不舒服....
在這部片中老少配不是個好組合。
撇開這個不談，女友的出現應該是要加強所謂"剪輯師道德感的掙扎"，按照之前鋪程的路線，這樣的掙扎應該是在於"揭露祕辛與否"。安排了女友發現Alun就是剪輯她前男友迴光影片的人，她說"這個回憶是我的"，並且把晶片毀壞，這樣的反應卻成了"沒有人有權利觀看別人的人生"。如此一來，又和揭露祕辛的目的不相符了。
到了此時，我們看到影片有兩個議題
1. 揭露祕辛
2. 不應該觀看他人的人生-反對迴光晶片
這兩點都是用來衝擊人類的價值觀的，但是彼此之間的聯繫卻很鬆散。
如果按照一般過程來說應該是，大主題是反對迴光晶片->剪輯師良心衝擊->揭露迴光晶片秘辛->迴光晶片被捨棄。但在這部片中，這兩個motif似乎不是從屬而是平行發展。這時候不論鋪程哪一個主題，都讓人覺得鬆散無力。
主角發現他被植入了迴光晶片，因此認為他應該拒絕別人觀看他的人生所以去刺青。然而這段卻也胎死腹中，觀眾無從曉得他杜絕了體內的迴光晶片後來的結果。似乎不管他有沒有迴光晶片其實都無所謂。因此這又是一段有頭無尾的劇情。照理講，這應該是一段剪輯師內心交戰掙扎的大戲，但卻處理的十分輕描淡寫。因為1.剪輯師不應該有迴光晶片 2.隔絕迴光晶片應該代表他良心發現，並決定要幫助費屈揭露祕辛，因為他發現迴光晶片是錯誤的。
原本觀眾期待的是揭露天眼科技老闆強暴女兒和商業機密的秘辛，但卻成了主角尋找他過去的記憶這段關係有點牽強的插曲。等到他回到過去的記憶，發現其實他並沒有害死他的夥伴後，故事又莫名奇妙的變成揭露祕辛了。那究竟有沒有害死他的同伴這段其實也無關緊要，因為我們實在看不出來發現事實真相的前後對主角到底有什麼不一樣。
到了最後，Alun莫名奇妙被殺，反天眼科技的費屈取出他的晶片準備用來揭露天眼的秘辛，這最先片頭鋪程的劇情幾乎沒有關係。我認為，如果沒有Alun小時候那段，這部片反而會比較頭尾連貫。影片結尾草草收場，只說了幾句台詞就全劇終，雖然觀眾是可以自行推論接下來的結果，但是也太結尾無力了點。到底最後迴光晶片有沒有因為整垮天眼科技而全面禁用，觀眾無從曉得。
結論是，這部片的主題不清，首尾不連貫，結尾無力。
因為講了太多東西，反而沒有好好的發展下去，彼此之間的關係也都太薄弱了。
若這是一篇作文，可能會被老師評為乙吧。
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當初說要放這部片我並沒有多大感覺，直到看到LD的封面上寫著
Ewan Mcgregor
心想:只要是伊旺演的那一定是部好片。畢竟是演過猜火車和絲絨金礦的伊旺啊!
等影片播下去後，發現這部片不論是風格或手法甚至是探討的主題都是別具風格。
導演Greenaway似乎特愛挑戰觀眾的視覺。黑白、彩色影片交錯，
還有分割畫面錯置其中，對於觀眾來講是一大挑戰。到底該看哪個，哪個畫面是哪個時間點，一部片看下來倒是耗費不少腦力。如果撇開導演純熟的藝術技巧不講，我實在想發表個人對於這類東方議題的感想。
不曉得西方人是否受了薩伊德東方主義的影響，在西方人眼中看到以東方為主題的電影永遠是那麼樣子，女演員永遠都像Sandra Ho，雖然不見得那麼不好看。但是被濫用的中文字和中文歌曲，和搞不清日本、香港、台灣文化差異，導致大亂鬥的情形實在是不可勝數。我不清楚枕邊書的時代國族錯置的目的在哪裡，或許中港台日大混雜一直是導演喜愛的手法和他眼中的東方，就如同他近年來的一部作品<八又二分之ㄧ女人>一樣找了東亞地區的女演員演出，但又擺放在一個異鄉中，這種西方人惡搞東方的感覺實在不舒服。
曾經看過ㄧ個影集<廚房祕事>，裡面有一個香港人，講著廣東話
，但編劇卻給他一個日本身分，看在我們這些大東亞民族眼裡情何以堪。
枕邊書的時代、民族大亂鬥正是我不喜歡的地方。女主角出生的時代不明，看似幕府時代但其實應該已經明治維新，是現代了，但在服裝和家具擺設上又那麼的古老，然而又放著<玫瑰玫瑰我愛你>這樣現代的歌曲。 而書法也頓時成了日本的產物，不要覺得我民族意識太強，但自小以來大家都知道毛筆這種東西是古中國的玩意兒，書法這種東西，也是古中國的文人在玩的。 其中幫女主角在身上書寫的藝術家甚至還有東南亞的朋友，整個就很莫名奇妙。
雖然說，枕邊書的主軸應該是在談論female writing陰性書寫，藉由書寫來一反女性的地位，同時讓那些男性在鏡頭前面裸露，成為被注目的對象，打破過去女性被觀眾注視(be gazed)的傳統。這下子女性擁有權力來觀看這些男體，也有權力以文字的力量復仇和平反過去父親所受的委屈。在主題和形式上，這部電影真的很成功，但是在內容設定上實在很難得我心。
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這是一段哀傷的歷史
50年代，二二八事件延燒下來的白色恐怖
國民黨政府的極權統治成了人民恐懼的來源
政府把人民當做假想敵，設定了反攻大陸，回歸祖國的虛幻目標
知識份子不甘心政府假憲法之名行極權之實，讀馬克思、左派書籍，組織讀書會。白色恐怖的時代，政治犯不是槍殺就是無期徒刑，被冠上了叛亂份子的罪名。在<超級大國民>這部片中看來，多少人是無辜受害。片中男主角第一位找的老朋友游仔說起當初讀書會被抓的那些人"最衰的就是某某的妹妹，出來端個茶就被判三年"
從那些像回憶過往的台詞中，我們看到50年代台灣是多麼的動亂不安，人人自危，原以為最能保護人民的政府，竟成了殺人兇手。
那是一段人們不願意再提起的過去。
男主角第二個找尋的朋友就是最好的例子，為了逃避過去，他選擇聽音樂不去想，聽那些愛國歌曲來證明他不是叛亂份子。可怕的過去帶給人一輩子的陰影，看在我們這些後生晚輩眼中，也覺得震撼。
50年代的台灣，離我們太遠了。
我們出生沒多久，民國76年台灣就解嚴了。
30多年的動員戡亂時期，那段唯恐自己說錯一句話的時期我們慶幸不用經歷。
整部影片給人一個今昔對比。在解嚴過後的90年代，上演著是國大代表大打出手和人民抗爭的戲碼。和男主角過去的世界已大不相同。比起<悲情城市>我想這部片更可以顯露出經過白色恐怖洗禮後存活下來的人的面貌和心情。如果說<悲情城市>和<超級大國民>都是講述228和政府壓迫的不公不義的話，那麼前者可以說是首部曲，<超級大國民>就是二部曲。我不知道後者是否有受到侯孝賢風格的影響，步調都很慢，顏色也都十分昏暗。<超級大國民>大量使用藍光，整片幾乎都是藍的，我心裡想:是想搞紅白蘭三部曲嗎?藍色情挑。那種室內的藍光給人陰鬱、壓迫、昏暗不清的感覺，觀眾看了都有一股不舒服感，那樣的沉悶十分難受。加上極簡的對白和大量的畫外音，緩慢的節奏，或許是導演想要刻意營造的氣氛，讓觀眾也能感受到當時受難者的哀怨和沉重。
但是時代離我們太遠了
那種深刻的感受對我們來說已經像是歷史般遙遠
縱使那是台灣一段重要的過去
甚至後來改變台灣政治和人權的關鍵
但那些前人受的苦對我們來說，就像是女主角的先生說的一樣"現在時代不同了，不像妳爸爸媽媽那時候。"
或許就像女主角不了解她父親為什麼又要去補償老朋友。
歷史的追尋對於新一代的我們是什麼?
我記得當初以侯孝賢等人為首的台灣新電影
曾為台灣電影帶來一股潮流
焦雄屏等人的支持讓台灣電影進入新紀元
但後來卻變成台灣電影太執著在政治議題上
緩慢的步調，昏暗的畫面，極簡的對白
或許成了台灣電影的特色
但也流失了大多數觀眾
講述社會議題的電影不是不能有
但當這樣沉重的議題太多的時候
對人們來講是種疲乏
但不可諱言的是那些的確是台灣影史上的經典作品
在新電影後，台灣電影呈現多采多姿
但似乎缺乏拍劇情長片的導演
在題材選取上的確也比較走清新風格的路線
學生、青少年等
受到電視劇和實驗片的影響
我們的影片增添幾分活潑
沉重的90年代過後
我們走向青春的21世紀
希望未來台灣電影可以以這樣的姿態
拍出更深層的作品
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我覺得在看這部片之前要對吳爾芙的生平和同性戀傾向以及戴維洛夫人這本書了解，不然很難Catch演員演的內心戲
就影片內容來說，可以看到戴維洛夫人這個故事的要義。雖然我從來沒有去查明戴維洛夫人究竟想講些什麼，但就影片透露的訊息來看，是講一個人生的選擇和掙扎。其中包含了生命的意義，無法面對自我，性向與社會性別間的掙扎。片中的吳爾芙，或者是說，以三個不同時代的女人為首的故事中的"吳爾芙"都是一個憂鬱症患者，有不可告人的性向困擾。這三人分別是妮可基嫚飾演的吳爾福本人，茱莉安摩爾飾演的擁有幸福家庭的太太(吳爾芙的讀者)，以及ED Harris飾演的同性戀作家。(Harris的表現令人驚訝，很難將這樣的ED跟機器戰警聯想在一起)當然，ED Harris的年代似乎已經沒有那種困擾，但在男女關係上面卻呈現迷濛狀態。ED是同性戀者，但卻對過去跟梅莉史翠普的summer love戀戀不忘。而梅莉史翠普後來又是個女同性戀者，但似乎也對那往日情懷眷戀不已。
我發覺，這三段人物的故事都在探討一個真愛的概念，
愛是不用性別和性向來定義的。有這樣的想法是因為想起吳爾芙的(美麗佳人歐蘭朵)這個故事。
吳爾芙一直以來的同性戀傾向或許在這個這個故事中說明的更清楚。但如果更深入探究，就可以了解到這無關乎性別，而是追求一種真實和自我。
Orlando的故事在電影版本中是由提妲史雲頓Tilda Swinton飾演。Orlando的生命恆亙四百年，原為男兒身的他，在第三次沉睡後醒來轉變為女兒身。藉由照鏡子建立性別認同，但他說了一句關鍵話語"我依然是我，不同性別(sex)而已"。如此的靈魂曾經與貴族千金訂婚，曾經與俄國公主熱戀，曾經因為女兒身遭受不公平待遇，甚至生了孩子，但"我依然是我"。這篇故事也是吳爾芙獻給她在中年時所結識的紅粉知己-莎克威爾．爾斯特。也許這透露著吳爾芙愛女人以及想變男人的秘密，但我倒認為，與其說成為男人這樣的身體，不如說是擁有和有男人身體的人一樣的權利。Free to love
將兩篇故事連結起來，不難發現吳爾芙對人生與愛的哲學，其實是很超脫的-自由。她所想要的是能夠擁有一個自由自在的靈魂，她有權力掌控的靈魂。在影片中我們看到妮可基嫚、茱莉安摩兒、ED Harris的靈魂都是被禁錮的。妮可基嫚像是軟禁般被囚禁在鄉下，茱莉安摩兒身陷家庭的桎梏，ED Harris更是受困於他自己的身體。選擇自殺，或許是證明自己有生命的掌控權，藉此他們得到釋放，因為這是唯一他們能選擇的事。然而他們只是想要愛，填滿內心的缺口。受困於現實環境，他們必須要做出符合世人眼光的選擇，雖然做後還是因為個人情感因素而失敗了。或許，偉大的作家或思想家都必須為個人情感所困吧。
影片最後讓我疑惑的是茱莉安摩爾並沒有死，她選擇離開，我不懂這部份的用意是什麼?看著家人一個一個死去，而她苟活下來之中帶來的影響和意義是什麼。這樣是代表她不夠有勇氣? 還是因為她只是吳爾芙的讀者，她不是吳爾芙，也不是戴維洛夫人中的詩人，所以她沒有立場死?
這部片子或許除了宣揚追求真的理念，還能對生命有些啟發。時時刻刻這個故事在一天中結束，對於觀眾來講是在兩個小時就結束的，然而我們看到了生命的縮影。有點像our town或是淡水小鎮，人生的剪影濃縮在裡面，不過就那麼一回事，而你要怎麼去抓住那些點點滴滴呢?每一分，每一秒。
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本篇文章講的東西很多，到後面分析<大國民>的敘事結構就看的有一點不清楚了。不過前面講述的一些結構我想可以用來分析這次參賽作品的劇本。
最基本的敘事概念:故事由一個狀況開始，中間產生一些過程和變化，最後ㄧ個新的結果。所以，因果、時間、空間。
我們的劇本是設定在現在，主角是一般上班族，因為不願意浪費依分一毫時間於是跟神仙或魔鬼做了一個購買時間的金錢交易，最後發現自己本末倒置，於是他重新看待時間的意義。
所以，首先應該就是要定義這個對時間斤斤計較的人。於是我們設計了許多主角仔細時間計算的plot，以及對於浪費時間感到不耐煩
的反應，希望能塑造出這樣的一個角色。劇情的轉折處在於他不小心睡著了，對於時間非常在意的他，剛好遇到一個非現實的人物。角色塑造上需要加強的應該是他的複雜性，或許單單一個對時間斤斤計較這樣的設計太過平面，但是在短時間內又要如何豐富主角的性格呢?
我曾看過台藝大應藝所的學生作品，其中一篇是在講一個人的時間到了，time's up。主角的性格角色或許沒有那麼著重，看起來就是一個渾渾噩噩的人。但是由很多小事件中持續定義"time's up"
這件事。我想若我們的劇本如法炮製不知道可不可以。
中間的關鍵點在於，那個非現實的人物要怎麼出現。當初的想法覺得就突然pop out，其實也非無不可，就有點像王牌天神那樣。又或者是，把這一切設定在夢境中，或許就容許了非現實的事件發生，合不合邏輯就不那麼重要了。好比王牌冤家，一切設定在夢境中，許多不合邏輯的事件都會產生，例如這個鏡頭躺在床上，下個鏡頭躺在南極冰原上。
當然或許可以把這個販賣時間的人和老闆結合，就像綠野仙蹤把女巫婆和女老師的形象結合，兩者可以聯結在一起。這樣或許更能增加主角去買時間來工作的動機。老闆的壓力成為他必須對時間錙銖必較的原因，而到最後體認到其實他可以逃離這樣的壓力。
這樣的架構變成
老闆的壓力-->計較時間-->被壓力擊倒-->販賣時間的人出現-->
購買時間以完成工作-->二度擊倒-->回想-->恍然大悟-->新生活
如果基本的架構可以，那之後所謂主觀客觀的敘述方式就不成問題了。那只是一種說故事的手法，我想要用哪一種手法，一來是取決於風格，二來是看我們要給觀眾知道些什麼。
好比王牌冤家，絕大部分是由金凱瑞的角度出發，因為這是一部關於他的記憶的故事。偶爾穿插客觀的環境，讓觀眾了解他正在做消去記憶的事情。也因為是用金凱瑞的觀點，觀眾才對於他多年後再遇到凱特溫斯雷的反應感到不解，這樣的伏筆到最後成了劇情的高潮，沒想到兩個人有過去一段故事。此時製造了觀眾看到的和主角看到的一樣，後來在進行客觀敘述時，反而會給我們強烈震撼。
另一個相反的例子是口白人生。影片剛開始我們就聽見不停有畫外音在敘述主角的一言一行。此時這個口白者是客觀位置，直到中段才發現原來這個口白者是故事裡的一份子，他並非局外人，這樣的轉變造成劇情上的大轉折。所以或許我們可以這樣說，客觀敘事和主觀敘事的改變是可以帶給劇情很大的影響甚至於製造高潮。又例如說恐怖片。恐怖之處在於，我看的到，你看不到。觀眾看的到主角要遇害而主角還在那邊耍笨的時候，我們覺得緊張。而觀眾跟主角同一視點的時候，害怕在於我們不知道壞人什麼時候會出來嚇人，這樣的緊張感。而大多數的緊張感來是來於我們知道，主角不知道這樣的關係。
所以說，敘事結構的的確確是電影的骨幹。一個鬆散的結構就算拍的在美也是美中不足。
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本篇把電影基本的劇情架構和一般觀眾在觀賞時會產生的期待分析的十分清楚。
雖然沒有看過綠野仙蹤，但是大致上可以將作者分析的規則套用在我所知道的影片上，尤其是好萊塢電影。
我比較感興趣的是形式的期待 Formal Expectation這個部份。
一般來說，好萊塢電影大多的形式和規則我們都很熟悉了。即使這些規則千篇一律，觀眾仍看的很開心。這讓我想起
Umberto Eco對James Bond的研究。
像李維史托的神話結構一樣，James Bond一樣有其規律。
Eco在著作中寫到將龐德故事的框架分析如下，這樣的規則也的確是屢試不爽:
A M moves and gives a task to Bond;
B Villian moves and appears to Bond...;
C Bond moves and gives a first check to Villain or Villain gives first check to Bond;
D Woman moves and shows herself to Bond;
E Bond takes woman...;
F Villain captures Bond...;
G Villain tortures Bond...;
H Bond beats Villain...;
I Bond, convalescing, enjoys Woman, whom he then loses.
這樣的一套規則，不僅僅在龐德故事中適用，像是同類型的不可能的任務也一樣依循其模式。
也就是說，當形式與結構具有相同規則的時候，這類影片會形成一種類型genre，例如: 黑色電影。
然而，在第二章中還沒提到這部份。
作者所說的AB、ABA等等形式，即是這些類型電影所具有的結構。
有趣的是，即便架構相同，甚至觀眾都能猜出下一個橋段內容，藉由不同故事背景和導演詮釋，觀眾一樣能得到全新的體驗。
這就是為什麼007電影可以一拍再拍，幾代的龐德都過去了，它還是如此富有吸引力。
再來我認為十分重要的部份，就是形式與意義。
這部份告訴我們如何詮釋和評論一部電影。而簡單的來說，就是如何看電影，看出他的意義。
這部份一直都是認真看電影的人企圖去分析和了解的。
指示性意義是指故事的背景。好比色戒是發生在民初汪精衛政府年代，那個年代動盪不安，列強入侵，有志之士想救國救民的年代。故事背景正好給了事件的發生一個動機，而主角在其中所做的事也就都符合邏輯，動機也十分合理了。
外在意義可能是最顯而易見的故事意義，也可以說是故事的結論。然而我們需要注意的是如何從影片中去尋找種種蛛絲馬跡來和這個結論連結。換句話說，影片的外在意義可以有很多種，但是他們彼此間是如何互相連結更是重點。
內在意義表示詮釋。影片中的任何一個畫面，一樣物品或許都具有某種特殊意涵。再拿色戒來說，鑽戒可以是富貴的象徵，鑽是貴，戒是愛。易太太當初嫌易先生不買鑽戒給她，跟後來易先生買了鑽戒給王佳芝就是一種真情的對照。鑽戒成了真愛的代表，而這樣珠寶也成了真情愛與後來任務失敗的關鍵，它參與了整個過程。
徵候型意義 Symptomatic meaning簡單來說就是意識形態。
例如我們最愛說美國影片總有大美國主義和資本主義的意識形態。拯救地球的，殺外星人的人，打敗邪惡共產主義的，全都是美國人。倘若我們不仔細觀察，可能很難察覺我們漸漸的被灌輸這樣的意識形態。
第二章基本上就是敎你怎麼看電影。大致了解電影到底在做什麼，你雖然是個看戲的，但絕對不會是個傻子。
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"李安說「色，戒」是張愛玲用字最精鍊、描述最複雜的短篇小說，但是張愛玲筆下只敢寫出：「到女人心裏的路通過陰道」，意喻掌握女人心，性是重要的一環，李安卻用盡機心，將張愛玲不敢寫的，一一的表達出來。 " http://app.atmovies.com.tw/eweekly/eweekly.cfm?action=edata&vol=135&eid=v135101
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新天堂樂園記述一個成長故事。成長類型的電影多多少少都和年少時的一點愛戀會牽扯上關係。而這部片更是明顯，主角到中後段著重愛情，然而主題也隨著年齡有所轉換。小時候著重老人與孩童的忘年情誼，到了少年時期遇上一位天命真女，然而命運捉弄人，這一分離就讓男主角苦等幾十年。第三部份藉由參加老人的葬禮回到家鄉體驗了一趟回憶之旅，找回他失去的回憶和完成未完成的夢。
老青幼三代的表現，我不得不說，小童星的表現最優。從小這樣看起來，不免覺得小時那個聰明機伶的孩子怎麼長大卻變的老實了。透過一場葬禮，我們回顧了男孩的一生，我們看過了小鎮的興衰起落，看到了科技由電影院到電視機的進步。好比魔術師的寶盒，一條線帶出來的卻是新天堂樂園的全貌。其中最讓人動容的是男主角為愛等待25年，即便身邊的女人來來去去，真愛卻只有一個，到頭來怎麼也忘不了。令人不解的是，當初老先生究竟為什麼要拆散這對佳偶？是為了男主角的未來，還是失明的老人暫時失去理智? 影片演到這段突然變的匪宜所思。男主角好比是電影中的痴心人，現實生活就會像女主角那樣選擇不再等待，或許不是每個人都能像手札情緣在還年輕的時候將愛人追回。多年後再次相遇，過去的愛戀就像夢一樣，當女主角說出這句話，觀眾應該也免不了感嘆。往事雖然歷歷在目，但就像是老電影般只能回味。一直不敢回到家鄉可能是因為忘不了過去的種種，但若把男主角說成是單純因為情愛而逃避的男人未免就太膚淺。這段愛情可說是成也蕭何，敗也蕭何。
童年的伶俐可愛，少年的純情蕩漾，老年時的回首往日，人生就在這一部電影中演完了。戲如人生。
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離看這部片其實有幾個月的時間了，但是回想起來發現有些不一樣的感覺。當初看的時候，第一個反應是原來來現在還是有紅燈區存在。老實說是沒必要那麼大驚小怪，日本銀座、泰國人妖或情色產業等等，都一直有。原以為印度是個保守的民族，堅守種性制度，金磚四國之一，沒想到，底層社會還是如此的不堪。或許每個社會的底層都很不堪，而我們看到加爾各達紅燈區的生存模式更是不可思議。這部紀錄片不僅是紀錄小孩無法受教育的悲哀，更透露了奇怪的紅燈區階級。做的久的，牌子老的，somehow在那個圈子裡是有地位的，有點像是古代京城第一紅牌的感覺。孩子們依然能受教育，吃的好穿的暖，家人疼愛，然而等大了還是要繼續回到家族事業上服務。這樣的人生模式挑戰著觀眾們的邏輯也挑戰我們的價值觀。究竟受教育是否能幫助孩子們脫離那個圈子？還是到頭來他們還是要回去?尤其是女性。片中所呈現的價值觀很明顯的是和一般大眾的觀念相符。色情代表墮落、腐敗、錯誤。然而透過片中檢視也的確是這樣。我們看到單親家庭，酗酒的父親，看到家中只剩老人與小孩的家庭，看到孩子必須從事勞動性的工作並且接受粗俗的社會文化薰染，和街坊鄰居討價還價惡言相向，為的是在那樣的環境下求生存。雖然我曾想過，究竟把紅燈區視為不良行業是否是正確的觀念，因為在荷蘭甚至日本他們是很正面的看待這項工作，但或許在這世界上絕大多數地方情色場所都還是與低下階層相關。
在片中，觀眾們接收到孩子們想脫離這個環境卻受限於身處的地方，他們不是不想離開，只是不曉得除了這個地方還能去哪裡，只是害怕，只是服從命運。片中最有才華的應該是阿吉，從開始就看的出來阿吉充滿野心，積極進取，應該是最有希望將來成大器的一位。有些孩子因為受不了寄宿學校的壓力，紛紛都放棄，又或者是家裡不願意讓孩子離開。看在我們眼裡，甚至作者眼裡都是可惜。因為，唯有離開那個地方才有機會重生。
再來我們看到一個十分諷刺的場景，所謂的神愛世人天主教學校，居然拒收紅燈區的孩子。雖然說基於衛生健康的理由，有這份顧慮是難免的。但是當我們看到修女一口回絕的樣子，不免讓人心寒。神性還是敵不過人性。明明就應該是最納百川的團體卻是第一步拒絕。讓人不禁思考所謂的宗教精神到底去了哪裡?當人們脆弱的時候還能依靠祂嗎?
小小攝影師不光是單純紀錄紅燈區的生活，而是介入性的改變他們。就像是一場大型實驗，而這部片是紀錄實驗過程。
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elephant
超級意識流
徹底解構傳統敘事線
從平凡的學生中抓出幾位
把他們當主角也好配角也罷
稱他們為影片敘事線的載具或許更為恰當
透過幾個學生的個人角度
意識流的呈現
觀眾可以看見an ordinary day of daily life
it seems like a daily routine
上課 遲到 體育 戀愛 男孩 女孩 興趣 自助餐 八卦 閒聊
觀眾跟隨著這些載具的腳步 看見一個平凡 普通 看似正常的校園生活
Gus Van Sant 徹底把時間解構再重新結構
拍攝出在同一時間發生在六七個人身上的事
影片中觀眾不時可以看到時鐘
或是提醒我們時間的metaphor
例如 午餐
在短短的11:10~12:00多之間
(由角色對話我們知道時間沒有超過一點半)
竟然悲劇就這樣發生
原本壓縮的時間在解構後變的極具張力
彷彿像畢卡索在平面上同時呈現物體不同的面向
斷裂的敘事線 卻又透過不同人的角度銜接的恰到好處
導演的慢步調和極簡與日常生活對話的台詞
讓觀眾起初看來似乎索然無味
不曉得重點到底在哪裡?
讓觀眾看美國青少年的校園生活嗎?
直到最後觀眾才感受到無比的震撼
好似經過一場視覺與精神的大地震
原先的平淡的日常生活
和最後突發的屠殺
兩者天差地別，觀眾的訝異，驚恐和不安全感全都在那一瞬間如拔尖般飆到最高點
極大的反差，一股extremely uncomfortable的感覺打從胃裡翻騰出來
而此刻導演依然秉持著冷靜的態度觀看這個事件
過於冷靜的鏡頭
具有疏離感
反而讓觀眾感到不安
導演似乎不想對這樣的事件做出任何評價或批判
也沒必要擔負任何政治社會責任
只是很單純的
如同daily life般簡單的客觀的陳述事件
然而弔詭的是
這樣平淡的氣氛 似乎更讓觀眾貼近當時的情形
彷彿置身其中
突如其來的殺戮畫面
讓我們就像那些學生一樣措手不及、無所適從、亂了陣腳
戲裡戲外
在一開始都是一種nothing special, simple daily routine comes again
another ordinary boring day
誰能想到事情就這樣發生?
如同身為觀眾的我們
都無法接受那未交代清楚的理由
no reason
maybe it doesn't need a reason
看慣傳統敘事手法的我們
習慣影片把事件的來龍去脈交代的清清楚楚
觀眾有知的權力
劇中人可以不知道，但我們不可以不知道
而此刻，觀眾已和劇中人一樣
我們似乎也不太清楚原因
甚至摸不著頭緒到底為什麼會這樣
而我想這也是事件發生當下最多人會有的反應
Why?
Gus Van Sant完完全全的解構傳統敘事
斷裂的時間，卻是完整
疏離的手法，卻是貼近
平淡的氣氛，卻是驚恐
如此打破傳統
卻又重塑完美的結構
2003年坎城金棕梠和最佳導演獎 當之無愧
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即便是這樣
好像還是很不想就這樣放掉
even you delete my number
even i am not on your after-drinking list
even you seem like have already forgotten all the things
i still....
still wanna hold on this
still wanna find some clue to proof there is a chance
i pray
i really do
from my heart
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我始終願意相信
if we were in new york, i will be the lucky girl.
我也始終願意相信 最初的你是擁有真愛的
我記得那當下你說 we will be the coolest couple
我問不下數十次的 are you serious?
你說你是
我以為你是那個意思
其實最剛開始 我是充滿懷疑的
甚至不太當一回事 也只是用一種笑話的態度去看
但到最後 卻認真了
雖然最後自己太莽撞
變得一團糟
變得怕你嚇到
讓你開始害怕一切commitment,all the future and responsibilities stuffs
我知道是自己魯莽
然後現在這樣
但我還是相信那一份最初的真愛
我真的相信
不然也不用大費周章的去做那些事情
really wish we were anywhere but here.
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最近常常想到
如果有一天 我們在這世界上的某處再次相遇
像before sunset一樣
會有甚麼感覺?
那天他又再度提起 there is no future. there is no you and me. there is no us.
我不太確定是因為他覺得他隨時都會死，還是純粹憂鬱症發作感到厭世所以才說這些話，
還是是因為'我'，所以才說這些話。
然後又再一次說了 whatever i said, dont trust it.
他已經說過幾百次了。
我能理解，也能諒解，但桑號還是會很不爽。
當下我只回答說你已經說過了，然後就轉頭不想繼續這個話題。
但事後回想，其實我的內心是想大罵 "煩死了，我不想聽"這種任性的瓊瑤台詞，但我說不出口。
就像李寶生說的 愛逞強
有時候我會期待甚麼時候他會不見，或者甚麼時候我會不見。
或許在很久很久以後，我們分別達成的自己希望的事情。
他回到紐約，我回到歐洲，然後某一天，像甜蜜蜜的劇情一樣，
在街上的某個轉角，或是在某間藝廊看著同樣一張照片，
我們能去家咖啡店或是一間酒吧，喝點東西，聊聊天。
桑號又很害怕，到時候會不會又不一樣了。
可能他身邊有了人了，可能我身邊有了人了。
那又會是甚麼樣的情景。
我很高興那天他打了電話來
要不是聖哲不在，他也不會找我
不過我還是很高興，至少，他認為我是一個能夠聽他廢話的人
我知道那時候的他糟到快死
但是當我糟到快死的時候，他卻沒察覺。
誰叫我就是那種jei發一通"無聊到快死"的簡訊來的時候，
我就會火速衝到4am的那種人。
因為朋友對我來說，太重要了。
更何況，jei和wei在我心中，更是以一種讓人嚮往的地位存在著，至少曾經是。
我想我的這些煩惱對他來說 甚麼也不是
因為他的心裡只有自己
也或許是因為他只有自己能夠相信，能夠掌握
他太可憐 也太可悲
有時候我很想幫他
但是我知道我還沒有那種能力
一些純粹的樂觀或正面思考 對他來說是毫無用處的
因為他不是沒試過
他完全了解那些東西
但或許他也沒那麼複雜
就純粹只是個壞人罷了
想太多藉口和理由 只是幫他找台階下
而不管怎樣 一個好人 都不應該去做這些事情
即便他是多麼的痛苦
最後就是 他不用負起任何責任
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不要一年以後 甚麼都不是的回國
小贔
你的話總是這麼令人警醒
雖然常常笑你多愁善感
是個詩人
但我必須承認
你的話對我還是非常有影響力的
是啊
不要甚麼都不是的回國
那我能是甚麼呢
有時候那種迷失的感覺真的很可怕
到底是自己當初是為了甚麼
然後現在又是甚麼樣子
感覺有點失去掌控
然而又為什麼會這樣子
我一直很想找回自己
但好像
你們不在身邊
那股動力也漸漸消弱了
明明知道不行
加油
不只是兩個字而已
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其實一切只是湊巧
剛好在逛相簿
剛好看到你
剛好想說給他們看一下
於是剛好看到你的網誌
寫著你腳受傷了
純粹只是想以一個認識你的人的角度去稍微問候一下
我想
這樣應該還可以吧
畢竟已經過了這麼久了
我想我已經有好一陣子沒有出現在你的世界了
這樣子 或許還可以吧
其實不是我想要想起你
可能是因為有朋友分手
有朋友在戀愛中
所以我不得不想起自己的經驗
於是就想到你
誰叫我的經驗跟你有關
我知道你是那一個人家說 "你可以交到更帥的男朋友"的人
但終究
我知道你是怎麼樣的人
而我也不會因為別人說甚麼而動搖了
不過現在領悟也已經太晚
畢竟還是過去了
不過
我們的生活還是在前進著
要以全新的身分面對彼此
這樣才是對的吧!
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最近常常在想
如果能有有一次機會
在許久的將來的某個場合上遇到你
我會做出甚麼反應
說些甚麼話
我想我最想做的
也是唯一的心願
就是在好好的看看你
看你到底還是不是我心裡的那個人
心裡總覺得我們會再續前緣
但卻又不知道我是想跟記憶中的那個人繼續
還是真實的你繼續
而真實的你變成怎樣
我早就不知道了
我真的只是想要再看一眼而已
這個心願從來沒達成
你為何如此害怕呢
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以前以為
一年看兩百部電影
一樣熱愛音樂就OK
沒想到當真的遇到這樣的人的時候
卻還是少了一點甚麼
從頭開始尋找
卻又還是
一 樣
命運
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片名：任消遙
影片年份：2002
出品國：法、日、韓
製片商：香港衚衕製作
語言：中文，晉語(山西方言)
色彩：彩色
導演：賈樟柯
編劇：賈樟柯
演員：趙濤(飾趙巧巧)、趙維威(斌斌)、吳瓊(小濟)
這是第一次看賈樟柯的作品，過去只聽過這位「地下」大陸名導的名字。因為之前拍攝的議題太過敏感，他被大陸禁了好久，不過在國際影壇上卻是大放異彩。《任消遙》是賈樟柯故鄉三部曲中的第三部，共有《小武》、《站臺》、《任逍遙》三部以賈導故鄉-山西為背景的影片。
我不清楚導演是否要刻意突顯時下無所事事的徬徨少年。據他官網的說法這部片是在很即興的狀況下完成的。但或許這種用DV隨機拍攝的風格，更凸顯了一種遊蕩，沒有目的，沒有未來，只有現在的氣氛，也營造了如同《任消遙》這首歌和莊子的《消遙遊》一樣，那種今朝有酒今朝醉和有點脫離現實的生存態度。一切的發生都很隨機和突然。小濟和斌斌到撞球間晃，碰到了小武哥，不知怎麼的小武哥突然被抓走；兩人到了蒙古王酒的展售會場，意外看到趙巧巧，小濟就這樣陷入愛河。他們的世界每一天都在變，影片中穿插的新聞影片有法輪功反動、美國飛機侵襲、還有山西彩券開獎。每天發生的不可思議的時事，就像這兩名「混社會」的19歲少年的生活一樣，變動不安。看似在成人的世界打滾，實際還是受年輕人的流行文化影響：卡通、流行歌 。斌斌和女友在MTV裡看孫悟空的卡通，聽著任賢齊的主打歌，終究他們還是個孩子。而斌斌一次又一次的強調：「我是混社會的。」反而更突顯了他和成人社會的不協調。斌斌和小濟在遊蕩和青澀的愛情中尋找自己，有沒有找著其實不重要，就像導演對於外界稱他為改變中國電影格局的先鋒的回應：「就是一種說法吧，一部電影、一個事件，不能夠說明什麼和改變什麼，只是對個人的歡愉而已。」
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片名：家在台北
影片年份：1970
出 品 國：台灣
出 品：中央有限公司
發 行 商：中央有限公司
語 言：國語
色 彩：彩色
導演：白景瑞 製片：龔弘 編劇：張永祥 剪輯：汪晉臣
演員：歸亞蕾 柯俊雄 李湘 馮海 張小燕
到目前為止，健康寫實電影的健康寫實題材不外乎：1.婚姻 2.政府政策 3.社會階級。又或許可以說在男女婚姻的大題目下，包含了政府政策宣導和隱約透露的台灣人對社會政經階級的重視，和無可撼動的傳統儒家觀念。劇中人若要得到幸福，就必須遵守以上這些條件，才有可能有完滿的結局。「家在台北」的劇情除了依循上述條件發展外，更添加了國際觀。由一群美國留學生包機回台灣作為發展軸線的「家在台北」，首先就展現了台灣優秀的國際人才，夏之雲是紐約IBM的工程師，何大任(柯俊雄飾)是學成美國的水利博士，冷露是在美國事業有成的女強人。這三位主人翁，連夏之雲的同學-何範回國居然都是為了感情事。夏之雲帶妻子回家見公婆，何大任回來和妻子談離婚，冷露回台找舊情人，何範也是回來跟筆友見面。好像非要與情愛有關係，影片才有看頭。不過，即使是建構在感情和家庭倫理下，本片還是融入許多國家意識，間接建立家在台灣的概念。當時台灣身陷一連串的外交困境，本片正好喚起國人的愛國心，也向海外學子招手，希望他們能夠回國服務。我想除了宣揚愛國意識外，也在表現台灣優秀的海外青年。在那樣的年代，給予台人信心和力量。
本片除了劇情外，最值得一提的就是剪接畫面。導演大膽的使用分割畫面，或一或二，或三或四，在當時保守的影片作風下，顯得十分前衛。不過，雖然導演用心開創實驗作風，觀眾能夠一下子被很多畫面衝擊，但或許是技術尚未純熟，很多時候會顧此失彼，忽略了畫面與畫面之間是否有隱含的意義或關係。
影片中最讓人驚艷的就屬歸亞蕾了，(雖然她的造型一點也不”艷”)。她細緻的演出等待良人歸來的婦人，在看到丈夫回來和約她出去吃飯時的羞澀和掩藏不住的欣喜。表演的分寸實在拿捏的恰到好處，因為扮演一名保守的年輕婦人，太少太過都不宜。太少讓人覺得死板沒感情，太多就活像個飢渴的怨婦。第八屆金馬獎最佳女主角，實至名歸。
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片名：小鎮春回
電影年份：1969
出品國：台灣
語言：國語
色彩：彩色
導演：楊文淦
編劇：吳桓
演員：張美瑤, 劉明, 夏台鳳, 張冰玉, 吳桓
出品公司：台灣省電影製片廠
發行公司：台灣省電影製片廠
在台語片之後，台灣健康寫實電影除了繼續背負著教化社會的使命，更增加了宣導政府政策的目的。然而無形之中也顯現出台灣越來越明顯的城鄉差距和產業分配。都市化的北部，農村社會的南部。健康寫實片所透露的，不僅是南北經濟結構不同，在價值觀念上甚至於穿著打扮，消費能力等也都有很大的落差。
「小鎮回春」講述一家三姊妹與老母親為終身大事煩惱。因為老母親堅持要招女婿，害的大姐被男友遺棄也在心中留下陰影。二妹、三妹雖有固定的對象，但男方也因礙於招女婿這項條件而遲遲無法下定決心。本片首先由堅持招女婿的老太太扮演捍衛傳統價值觀念的角色，強調兒女要孝順，長上要有人照顧。但最後我們可以看到，身為一名女性，老太太的堅持(招女婿)最後仍不敵父權社會的秩序(男婚女嫁)。就如同她一心拒絕老房子改建，但還是妥協於不斷進步的新社會一樣。招女婿對於新時代來說或許是一種陋習，然而換個角度想卻也只是更加強化父權至上的觀念以及不可侵犯的神聖父權體制罷了。
除了強化父權的正統性外，最明顯的就是城市與農村的差距。片頭一開始就從城市風景一路到農村鐵路的景象，鏡頭一邊推移，觀眾一邊看到不同的台灣風光，但也看到城鄉差距。劇中三妹在台北當歌星，她和男友一回鄉下就引起當地一陣騷動，似乎當時只要是從台北來的人都是特別光鮮亮麗，特別希奇，然而實際上也是這樣。三妹回鄉馬上就帶了一台大同電視給媽媽，電視機不僅是經濟實力的代表，也是都會文明的象徵。而在這樣的情境下，坐計程車，買電視，新潮的服飾等優渥的物質生活，讓北上工作成了成功道路的指標。比較起鄉下的豬圈、泥巴地，都會生活的確令人嚮往的多了。以職業來比，在鄉下的大姐是洋裁師、二妹是理髮師都是比較勞動性且收入相對之下比三妹少的工作。二妹的男友家開果園，三妹的男友是電視台的主管，這也顯現出鄉下地方的行業型態多半還是以第一級和基層傳統服務業為主。而在這樣的保守環境下，出現了推嶄新改革的人-李達欣。李達欣所代表文化符碼不僅是政府的新改革，更是現代進步文明與西方文化的表徵。民國六十年代政府推動一系列農業改革和農村改建，透過身為工程建築師的李達欣，我們發現在那個年代國家的基礎建設開始起步，因此建築工程是最熱門最搶手的工作，好比現在的電子工程師，這樣的現象也能在其他健康寫實片中看到。產業的新衰，透露當時社會的脈動和國家的經濟狀況，當時的台灣正是農工建設蓬勃發展的時期，因此在具有政政策府宣傳性質的健康寫實電影中當然是多多益善。片中刻意安排老太太作為守舊派的代表，而維新改革派的李達欣(新)代表政府。這樣的角色配置似乎也是在透露政府在實際的改革上，確實也遇過許多老太太這樣難纏不願拆遷改建的民眾。透過這部片子，向社會大眾傳達了改革的成功與完善，告訴大家不要排斥並且要盡全力配合政府的施政，因為最後的甜美的果實仍然是屬於老百姓的。
對於文化水平較為低落的農村民眾來說，利用媒體達成宣傳政策的手法十分有效。透過螢幕和劇情發展，觀眾認同片中角色，也漸漸將革新的觀念滲透民眾的心理。最後雙雙對對，新年新氣象的結局，更是讓觀眾對新社會的建設更增添的信心。
「小鎮春回」一片不僅點出發展中的台灣無可避免的城鄉差距問題，也點出「男大當婚，女大當嫁」的傳統觀點，而在無可撼動的父權政治底下，這樣的價值必須被維持，而女人若是違反此規則(不婚)，就會顯得哀怨又無助。除此之外，後還替政府做政令宣導的工作。
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Michael Moore的柯倫拜校園事件並非完全探討事件本身，而是深入去思考
究竟是什麼樣的社會環境會讓這樣的事件發生。因此，我們看到他討論了美國
槍枝合法性問題，槍枝取得問題。Michael Moore用了非常符合邏輯的方式
去拆解美國人的心理，同時一層層抽絲剝繭，在看似主觀其實又很客觀的角度下，
美國人那自相矛盾的心理在觀眾面前展露無遺。
從最簡單的問題開始：為什麼美國人要有槍？
因為要保護自己。
我們是愛好和平的民族，所以要自保以免受人欺負。
美國人對自身安全充滿了不安全感，但又認為自己不是那種會拿槍亂射的人。
但是卻認為周遭存在這種人，所以未了自保必須要有槍。
如果說是因為美國歷史上血腥暴力的劣根性
那很抱歉，德國，日本，等等
都血腥暴力一百倍，但卻鮮少有人死在槍枝下。所以這個解釋，不成立!
那究竟是什麼原因？
槍桿子不僅出政權，還能出經濟，出人命
導演在這部片中隱隱約約透露出反布希的意識形態
雖然他沒有說
但是透過畫面剪接，實實在在都在諷刺美國其實才是最暴力的民族。
口口聲聲說要保家衛國，卻平白殺害其他國家的人民。
同時也透露了美國人那無比的恐懼
他們在害怕什麼?
沒人曉得
害怕假想敵
就如同某位受訪者說的 murderer could be you or he or she, anybody.
美國人靠販賣軍火武器給恐怖組織，給獨裁政權
他們製造恐慌以好販賣槍枝給人民
如同瑪莉蓮曼森說的：商人製造恐慌好讓你消費。
與其說是柯倫拜校園事件
還倒不如說是美國槍枝問題
更擴大的來說 是美國人很嚴重的政經社會問題
Michael Moore揭露出美國人的潛意識
而這樣的潛意識 是什麼理由都解釋不清的
妙的是
導演站在客觀與主觀的邊界上
他很客觀的，忠實的把所訪問到的，所拍到的，所做的實際採訪
真實的呈現給觀眾
然而，在角度分析上，在蒙太奇手法運用上，卻又很主觀的表達他的不滿
與憤怒。
就記錄片的角度來說，
真實與非真實
主觀與客觀
一直都是紀錄片討論的焦點
到底紀錄片應該原汁原味
還是多了導演觀點?
然而，很多人也都認為，事實上在剪接及取材的時候，導演觀點早已介入。
如果是這樣，那有還有什麼主客觀可言呢?
我認為，紀錄片應該還是要以事件的原貌為重
如果導演觀點太過強烈，那是否會變成八卦雜誌斷章取義的報導。
和此片相比起來
我倒認為葛斯范桑(Gus Van Sant)的<大象>反而是客觀的敘述事件。
導演以冷靜客觀的手法，由幾位主角的視角出發，單純紀錄事件。
我想
其實紀錄片都是想要表達某一種概念
好比Michael Moore想引出大眾對於槍枝問的重視
吳乙峰的<生命>想讓觀眾知道一場天災對人的生命影響有多大
當然這其中也多少顯現出社會的各面，好的壞的。
因此，在紀錄的同時，社會的各面向就不知不覺顯露出來。
這又讓我想到奇士勞斯基的<電影狂>。
ㄧ名職員原本是幫公司拍個短片，誰知道卻拍出了公司不為人知的一面。
而這不為人知的一面，應該就是紀錄片想要像我們說的，讓我們去注意到
那些從為思考過的問題。
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